…sondern nahm eine Schere und fing an…
05 Mai 2024 - 02 Juni 2024

Die erste Jägerschere-Ausstellung des Jahres 2024 bringt eine vielfältige Gruppe von Künstlern zusammen, um einen umfassenden Blick auf die Collage und ihre zeitgenössischen Erscheinungsformen zu werfen.
Die Collage nimmt in unserer Kultur einen seltsamen Platz ein. Ausgehend von frühen Formen im 19. Jahrhundert erreichte sie mit den dadaistischen Arbeiten von Hannah Hoch und den Fotomontagen von John Heartfield im 20. eine entwickelte Form. Doch welche Rolle spielt sie im 21. Jahrhundert noch, vor allem in einer Zeit, in der die "alten Medien" wie Bücher und Zeitschriften nicht mehr der einzige und wichtigste Ort sind, an dem Bilder zirkulieren?
Diese Frage klingt in den Arbeiten der Künstler in dieser Ausstellung durch. Es sind Arbeiten von Künstlern aus Kanada, Deutschland, Spanien, Großbritannien, der Ukraine und den Niederlanden zu sehen. Was sie verbindet, ist genau dieser Wunsch zu sehen, wie die Collage ihr kritisches und zugleich spielerisches Verhalten beibehält. Der Schwerpunkt der Ausstellung liegt auf der analogen Collage und nicht auf der digitalen Ausgabe, und die Körperlichkeit des geschnittenen Papiers findet in einer Kultur, die unter der Herrschaft des Smartphones lebt, Anklang. Das Erbe des Dadaismus wirkt sich natürlich weiterhin auf die Sprache der Collage aus, und mit ihm kommen Überlegungen zur zeitgenössischen Popkultur, zu Darstellungen des Körpers und zu den damit verbundenen Iterationen dessen, was Schönheit sein könnte. Auch das Interesse an visuellen Übereinstimmungen und Assoziationen, sowohl physisch als auch gegenständlich, ist in den Arbeiten dieser Künstler zu finden. Aber oft ist auch eine Rohheit im Spiel, ein Wunsch, Elemente fast wie ein gestischer Akt zusammenzubringen. Das ist eine subtile Sache, aber es könnte darauf hinweisen, dass es bei der Collage heute vielleicht darum geht, den Menschen vor dem Ansturm der Bilder zu schützen. Man könnte sagen, dass es eine Art Verzauberung ist, die die endlose Überwältigung durch die visuelle Zirkulation konkretisiert. Und in diesem Sinne ist sie auch eine Strategie des Überlebens.

…sondern nahm eine Schere und fing an…
05 May 2024 - 02 June 2024

The first Jägerschere exhibition of 2024 brings together a diverse group of artists to take a broad look at collage and its contemporary manifestations.

Collage holds a strange place in our culture. From early iterations in the 19th Century, it reached a developed form with the Dadaist works of Hannah Hoch and photomontage works of John Heartfield in the 20th. But here in the 21st century what role does it still play, especially in an age when the ‘legacy media’ of books and magazines is no longer the sole, nor most important, location where images circulate?
That question resounds through the work of the artists in this show. It features pieces by artists from Canada, Germany, Spain, Britain, Ukraine and The Netherlands. What connects them is exactly this desire to see how collage retains its critical-whilst-playful behaviours. The show focuses on analog collage, rather than digital outputs, and the physicality of cut paper becomes resonant for a culture that lives under the rule of the Smartphone. Certainly, the legacy of Dadaism continues to impact the languages of collage and with it come considerations of contemporary pop culture, representations of the body and attendant iterations upon what beauty might be. Similarly, an interest in visual concordances and associations, both physical and representational, can be found in the work of these artists. But there is also a rawness often at play, a desire to force elements together almost as a gestural act. It’s a subtle thing but might point to the way in which collage is perhaps now about protecting the person from the onslaught of images. We could say it’s a kind of enchantment, making concrete the endless overwhelm of visual circulation. And in this sense, it is also a strategy for survival.

Sieh einmal die schönen Blumen
07 Mai 2023 - 11 Juni 2023

Auch in der ersten Jägerschere-Schau des Jahres 2023 hat der Wolf im Titel ein Wörtchen mitzureden. Wir freuen uns, Arbeiten von fünf zeitgenössischen Künstlern zu präsentieren, die sich auf unterschiedliche Weise mit einem der traditionellsten Themen der Kunst auseinandersetzen und es neu beleben.

Blumenbilder sind nichts, was man ohne weiteres mit zeitgenössischer Kunst in Verbindung bringt. Abgesehen von einigen bemerkenswerten Ausnahmen (man denke an Mapplethorpes Lilienfotografien oder Andy Warhols "Blumen"-Gemälde) bleibt sie eine visuelle Landschaft, die durch ihre Präsenz in der Welt der Grußkarten und Geschenkverpackungen geprägt ist. Die radikalen Positionen sowohl von Mapplethorpe als auch von Warhol gehören heute zum Standardrepertoire geschmackvoller Schreibwaren. Ist es also noch möglich, das Zeitgenössische in der Welt der Blumen zu finden?

Die fünf Künstlerinnen und Künstler dieser Ausstellung ringen auf ihre eigene Weise mit dieser Frage und zeigen Wege auf, wie das "Blumige" seiner Vereinnahmung durch das Alltägliche entkommen kann. Alexandra Baumgartner bringt es direkt auf den Punkt, indem sie Bilder von Grußkarten aus den 1950er Jahren aufgreift und sie als Codas für das Universelle neu präsentiert. Ohne ihren ursprünglichen Text und ihre Typografie schweben ihre Blumen in einem schwarzen Raum und laden uns ein, den Kosmos in den Blütenblättern der Geburtstagswünsche zu sehen. Nikola Irmers Studie einer Hortensienblüte ist im Gegensatz dazu karg und unerbittlich. Die formale Komplexität, die sich aus der Pflanzenzüchtung und der natürlichen Evolution ergeben hat, erfordert bei ihr einen Kampf um die Darstellung. Ruprecht von Kaufmann ist vor allem für seine figurativen Gemälde von Menschen und Tieren bekannt, die in imaginären, fast dystopischen Szenarien dargestellt sind. Für "Sieh einmal die schönen Blümen" präsentieren wir eine Gruppe von Gemälden, in denen er eine Gruppe einzelner Blüten mit seiner besonderen Bildsprache befragt. David Mabb hat eine langjährige künstlerische Beziehung zum Werk von William Morris, dem britischen Radikalen des 19. Jahrhunderts, dessen sozialistischer Glaube an das Recht auf Schönheit in unserer Zeit die Mittelklasse der Tapeten ausmacht. Über viele Jahre hinweg hat Mabb Küchentücher mit William-Morris-Motiven gesammelt, die hier auf der Wäscheleine im Garten der Jägerschere präsentiert werden, eine Kollision von häuslichem Kitsch und einer utopischen Vision von Cokaygne, dem mittelalterlichen mythischen Land des Überflusses. Tofu Pixel arbeitet in der visuellen Tradition der Videospielkultur. Hier ist die Blume immer eine komplexe Trope, die uns zu Ideen von Natur und Reinheit zurückführt, auch wenn sie den Kontext für simulierte Gewalt bietet. Wie alle Künstler der Ausstellung erinnert sie uns daran, dass Blumen, so schön sie auch sein mögen, niemals als Synonym für Unschuld angesehen werden sollten.


Sieh einmal die schönen Blumen
07 May 2023 - 11 June 2023

Once again the Wolf has his say in the title of the first Jägerschere show of 2023 in which we are pleased to present work by five contemporary artists who, in their various ways, investigate and reinvigorate one of art’s most traditional subjects.

Floral imagery is not something we readily associate with contemporary art. With a few notable exceptions (we might think of Mapplethorpe’s photographs of lilies or Andy Warhol’s ‘flowers’ paintings) it remains a visual landscape tainted by its presence in the world of greetings cards and gift wrap. Indeed both Mapplethorpe and Warhol’s radical positions are now the stock-in-trade of tasteful stationery. So is it still possible to find the contemporary within the realm of flowers?

The five artists in this show each in their own way wrestle with this question and point to ways in which ‘the floral’ can escape its appropriation to the mundane. Alexandra Baumgartner goes straight to the point, taking imagery from 1950s greetings cards and re-presenting them as codas to the universal. Denuded of their original texts and typography, her flowers float in a stark black space, inviting us to see the cosmos in the petals of birthday wish. Nikola Irmer’s study of a hydrangea flower is, by contrast, sparse and unrelenting. For her the formal complexities that have resulted from plant breeding and natural evolution necessitate a struggle for depiction. Ruprecht von Kaufmann is best known for his figurative paintings of humans and animals rendered within imaginary, almost dystopian scenarios. For “Sieh einmal die schönen Blümen“ we present a group of paintings where his distinct visual language is used to interrogate a group of singular blossoms. David Mabb has a long-standing artistic relationship to the work of William Morris, the 19th Century British radical whose socialist belief in the right to beauty are, in our period, the stuff middle class of wallpaper. Over many years Mabb has collected kitchen tea-towels with William Morris motifs and they are here presented on the washing line in the Jägerschere garden, a collision of domestic kitsch and a utopian vision of Cokaygne, the medieval mythical land of plenty. Tofu Pixel works within the visual tradition of video game culture. Here the flower is always a complex trope bringing us back to ideas of nature and purity, even as it provides the context for simulated violence. Like all the artists in the show she reminds us that flowers, though they may be beautiful, should never be taken as a shorthand for innocence.

Wie die Vöglein so lieblich singen
14 August - 11 September 2022

Wie die Vöglein so lieblich singen versammelt eine Gruppe von Werken, die zwischen den 1960er Jahren und der Gegenwart entstanden sind. Die Ausstellung verweigert einen einzelnen Erzählstrang und präsentiert eine Gruppe von Verbindungen zwischen Themen wie Kindheit, Freizeit, Nostalgie und Unterdrückung. Der Titel der Ausstellung ist der Nacherzählung des Rotkäppchens der Gebrüder Grimm entnommen und stellt den Versuch des Wolfes dar, die gleichnamige Heldin von ihrer Aufgabe abzulenken. Der Wolf schlägt ihr vor, ein paar Blumen zu pflücken und innezuhalten, um das Vogelgezwitscher zu genießen. Hier wird die Phrase natürlich ironisch eingesetzt.

Ursula Wilcke würde sich selbst nicht als professionelle Künstlerin bezeichnen. Eigentlich ist sie eine Rentnerin, die in Magdeburg lebt. Sie wurde jedoch in Wiepersdorf geboren und lebte als Kind auf dem Bauernhof, der heute als Galerie Jägerschere fungiert. Bei Aufräumarbeiten in einem der Galerieräume wurde eine Gruppe von ausrangierten Kinderskizzen aus der Mitte der 1960er Jahre entdeckt, die einen wichtigen Beitrag zur Ausstellung bilden. In ihrem naiven Stil spiegeln sie die gelebte Erfahrung der Kindheit in der DDR wider. Porträts von Lehrern, Ostseeurlauben und Arbeitern in einer Fabrik mischen sich mit jahreszeitlichen Grüßen und Studien von Blumen. Einige sind Schularbeiten, andere sind private Reflexionen, und sie sprechen zu uns über die Jahrzehnte hinweg.

Einen ähnlichen Ton schlägt Natasha Frioud in ihrem Werk 'Traurige Hotels' an. Diese Serie von Dias, die in Kisten auf Flohmärkten und in Antiquitätenläden gefunden wurden, zeigt eine Reihe von halbverlassenen Hotels am Mittelmeer. Sie zeigen leere Strände und modernistische Architektur und sind chromatische Performances der Nicht-Erinnerung und Nostalgie. Die Bilder stammen von einer Reihe von Kameras gewöhnlicher, unbekannter Menschen, von denen die meisten jetzt wahrscheinlich tot sind. Sie stellen ein Netzwerk persönlicher Geschichten dar, die sich miteinander verbinden und so zu einem Plural und Kollektiv werden.

Irina Gheorghe bringt uns mit ihrer 2019 entstandenen Arbeit "MA-TE-MA" eine andere Kindheitserinnerung nahe, die in diesem Fall völlig konstruiert ist. Eine Fotoserie zeigt eine junge Frau, die anhand eines Kinderspiels erforscht, wie abstrakte Vorgänge im Raum des Geistes zu physischen Objekten werden. Das Spiel selbst und der Farbraum der Fotografien scheinen den Seiten einer Zeitschrift aus den 1970er Jahren entsprungen zu sein. Aber in der Anordnung dieser einfachen Geometrien spüren wir eine Handlung, die im Grunde genommen propositional ist, ein Amalgam aus konkreter Form und Spekulation.

Form und Spekulation sind auch in "Kali", einer Zweikanal-Videoinstallation von David Krippendorff, von Bedeutung. Inspiriert von Nina Simones Interpretation von Pirate Jenny aus B. Brecht/K. Weills "Dreigroschenoper" hat Krippendorff den Text des Liedes in einen dramatischen Monolog umgeschrieben. Dieser wird von der Schauspielerin Hiam Abbass auf Arabisch vor der Kamera vorgetragen. Die uns vorgestellte Jenny, die für einen Hungerlohn in einem Heruntergekommen Hotel arbeitet, ist voll von der gerechten Wut ihres Brechtschen Vorgängers. Doch indem sie Ideen von Überwachung und staatlicher Macht ins Spiel bringt, wird diese Fantasie von Rache und Selbstverwirklichung in einen völlig zeitgenössischen Kontext transportiert.

Ute Fründt präsentiert eine frühe Arbeit aus dem Jahr 2006 aus ihrer Serie "Rooms". Fründts Gemälde sind oft verspielt und von imaginären, magischen Qualitäten durchdrungen. Doch hier ist der Ton gedämpfter und die Erinnerung scheint die Hauptrolle zu spielen. Ein verschlafenes, ungemachtes Bett, ohne menschliche Figuren, steht in einem Raum. Vielleicht ein Hotel oder eine italienische Pension aus den 1960ern oder den 1980ern....? In all seiner Spezifizität (die Durchsichtigkeit des Stoffes, das Lichtspiel durch das Fenster) verleugnet das Werk das Besondere, und wir könnten einen Moment aus fast jedem Zeitpunkt der letzten sechzig Jahre beobachten.

Die Arbeiten von Sabine und Peter Rossa vervollständigen die Ausstellung. Die beiden Absolventen der Kunsthochschule Berlin-Weißensee aus den späten 1960er Jahren stehen mit ihrer Bildsprache ganz in der Tradition der Art Brut. Ihre figurativen Holzskulpturen sind jedoch auch stark von ihrer eigenen Geschichte als Künstler in der DDR und später im vereinten Deutschland geprägt. Das gemalte Gesicht der in "Abgeschminkt" dargestellten Frau könnte an Piraten-Jenny vorbeigegangen sein, in einem von Friouds Hotels gesourced oder in Fründts Bett geschlafen haben. Sie könnte einen von Wilckes Gymnasiallehrern gekannt haben. Die Verflechtung und Vermischung dieser Geschichten, ihre Ansprüche aneinander, das sind vielleicht die süßen Töne einer Art Vogelgesang, der uns unweigerlich abzulenken scheint.



Wie die Vöglein so lieblich singen
14 August - 11 September 2022

‘Wie die Vöglein so lieblich singen’ brings together a group of works produced between the 1960s and the present day. Refusing a singular narrative thread, the exhibition presents a group of interconnections between thematics of childhood, leisure, nostalgia and oppression. The title of the show, taken from the Brothers’ Grimm re-telling of Little Red Riding Hood, is the wolf’s attempt to distract the eponymous heroine from her task. The wolf suggests she goes and picks some flowers and stop to appreciate the birdsong. Here, of course, the phrase is ironically deployed.

Ursula Wilcke would not consider herself a professional artist. In fact she is actually a pensioner who lives in Magdeburg. She was, however, born in the village of Wiepersdorf and as child lived on the Bauernhof that now functions as the Jägerschere gallery. A group of her discarded childhood sketches from the mid 1960s were discovered whilst clearing one of the gallery spaces and these form a keynote contribution to the exhibition. Necessarily naïve in style they are nonetheless redolent of the lived experience of childhood in the DDR. Portraits of teachers, Baltic coast holidays and workers in a factory are intermingled with seasonal greetings and studies of flowers. Some are school work, some are private reflections and they speak to us across the decades.

A similar note is struck by Natasha Frioud in her work ‘Traurige Hotels’. This series of slides found in boxes at flea markets and antique shops show a range of semi-deserted Mediterranean Hotels. Showing empty beaches and modernist architecture, these are chromatic performances of non-memory and nostalgia. Coming from a range of cameras belonging to ordinary, unknown people, most of whom are now probably dead, the images present a network of personal stories that combine together, becoming plural and collective.

Irina Gheorghe brings us to another memory of childhood, in this case one which is entirely constructed, with her 2019 work ‘MA-TE-MA’. A photographic series shows a young woman using a children’s game to explore the way abstract procedures in the space of the mind become physical objects. The game itself and the colour space of the photographs seem to have leapt off the pages of a 1970’s magazine. But in the arrangement of these simple geometries we sense an action this is fundamentally propositional, an amalgam of concrete form and speculation.

Form and speculation are similarly resonant qualities in ‘Kali’ a two-channel video installation by David Krippendorff. Inspired by Nina Simone’s rendition of Pirate Jenny, from B. Brecht/K.Weill’s „Three Penny Opera“, Krippendorff has rewritten the lyrics of the song as a dramatic monologue. This is performed to camera by actress Hiam Abbass in Arabic. The Jenny we are presented with, working for shitty wages in a shitty hotel, is replete with the righteous anger of her Brechtian forbear. But in bringing ideas of surveillance and state power into play this fantasy of revenge and self-realisation is transported to an entirely contemporary context.

Ute Fründt presents an early work from 2006 taken from her “Rooms” series. Fründts paintings are often playful and infused with imaginary, magical qualities. But here the tone is more muted and recollection seems to take the leading role. A slept in, unmade bed, devoid of human figures, stands in a room. Maybe a hotel, or Italian pension from the 1960s or the 1980s….? In all its specificity (the translucency of the fabric, the play of light through the window) the work denies the particular and we might be observing a moment from almost any point in the last sixty years.

The work of Sabine and Peter Rossa completes the exhibition. Graduates of the Berlin Weißensee Art School in the late 1960’s, their visual language owes much to an Art Brut tradition. Their figurative wooden sculptures are nonetheless also greatly infused with their own histories as artists within the DDR and subsequently in a unified Germany. The painted face of the woman depicted in ‘Abgeschminkt’ could have walked past Pirate Jenny, or sourjoured in one of Frioud’s Hotels or slept in Fründts bed. She could have known one of Wilcke high-school teachers. The folding and intermingling of these histories, their claims upon one another, these perhaps are the sweet tones of a kind of birdsong that seems, inevitably, to distract us.